Dado el éxito de la primera, se vino una segunda (2001), una tercera (2003) y luego una cuarta (2006). Para este momento ya estabamos un poco cansados de lo que podía dar la saga, no solo porque los chistes ya eran trillados, sino porque otras películas parodias -de las cuales se hicieron mil- ya nos habían cansado un poco. Aún así, bajo cualquier panorama predecible, llega una quinta entrega a cartelera.

La historia principal del film se desprende de MAMA -éxito dentro del género terror dentro de los Estados Unidos- cuando Jody y Dan (Ashley Tisdale y Simon Rex) reciben un llamado informándoles que habian encontrado a sus sobrinas perdidas en una cabaña en el bosque. A partir de ahí ellos deciden hacerse cargo de los niños y se mudan a una casa que tiene un circuito de cámaras dispuesto para poder controlar el comportamiento de las niñas. A través de ellas mismas seremos testigos de lo que sucede en casi todo el film. A partir de ahí se desprenden historias que porodian a ACTIVIDAD PARANORMAL, EVIL DEAD, EL CISNE NEGRO, EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN y algunas otras.

Desde un principio, con el gag de Charlie Sheen y Lindsay Lohan, nos ponemos a tono respecto a la peli y, de entrada, notamos que lo que tiene para dar no es para nada entretenido. De ahí en adelante el film viene completamente en picada, sin posibilidad de salvación. Si bien muchos chistes “podrían” sacarte una carcajada, probablemente lo hagan de forma leve y termine siendo absorbido por la ganas de irte que vas a sentir en ese momento, y que seguramente sentirás durante toda la película.

Una de las grandes cosas que le falta a este film -aparte de un buen guión- es Anna Faris quien se hizo a partir de la saga e hizo a la saga. Al parecer inteligentemente decidió no volver y toma su lugar en el papel principal femenino Ashley Tisdale, la cual no llega a ser lo que era Faris. ¿Y de Simon Rex que podemos decir? No podemos entender como se sigue prestando para estas cosas.

La verdad es que SCARY MOVIE 5 termina siendo una decepción (esperada) desde el principio al fin. Asi que mi recomendación para todo aquel que lea esta crítica es que guarde su dinero o vaya a ver otra cosa. Aquello que busca no lo va a encontrar, y preferible no arriesgarse antes de aguantarse tal aburrimiento. En sintesis: Si realmente la quiere ver, véala en casa.

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Todo comienza con una infección sobre la cual no se dan muchos detalles y tampoco son relevantes a la historia. Parte de la humanidad termina convertida en zombie y los sobrevivientes se refugian en una porción de la ciudad amurallada. R, el personaje principal, sólo puede recordar la inicial de su nombre y nada más. Es un zombie que deambula por un aeropuerto, su hogar, y posee todavía algo de conciencia (infima pero importante). A través de él es que conocemos la historia y es este el detalle que hace que la peli sea lo que es.

Luego de comerse al novio de Julie, R comienza a sentir los sentimientos de él y a revivir sus recuerdos (Si, en esta peli los zombies comen cerebros para absorber recuerdos y sentimientos). Poco tiempo después R comienza a sentir esos sentimientos como propios y siente la necesidad de proteger a Julie. De a poco el sentimiento se vuelve mutuo y ese primer momento lleva a que los zombies comiencen a contagiarse de este amor. Sentimiento que podría ser la posible cura de esta infección.

En el medio de todo esto aparecen los bonies que son zombies que se han arrancado la piel y se han convertido en cuerpos cuasi momificados. Ellos han perdido toca conciencia y su unico objetivo es comer humanos, además de mantener a raya a los muertos vivientes que demabulan por sus zonas. Cuando este contagio de sentimientos empieza a surgir, estos seres se ven amenazados y es allí que dedicen detener a R, intentar acabar con los humanos y de paso darse un festin.

R, nos cuenta de primera mano lo que sucede, a través de la poca conciencia que le queda. Sus diálogos interrumpen la película frecuentemente y siempre son en un tono de humor que hace que todo lo que sucede en la peli se justifique. Es este el punto que marca la diferencia entre esta peli y otras pelis de zombies, su personaje principal y el humor sobre la situación.

Desde un primer momento se establece que es una comedia con toques románticos. Aún asi,  el humor es la primera herramienta de esta película. Si bien muchos probablemente hagan la comparación con Crepúsculo, por la chica que se namora de aquel ser misterioso, en este caso un zombie, se puede decir que el film está lejos de ese género y que no tienen ningún parecido con la saga vampirezca. A través de la comedia Warm Bodies logra contar una historia interesante con personajes que logran atraparnos desde un primer instante.

El film logra ser muy entretenido por lo cual será una sorpresa para aquellos que se animen a verla. Definitivamente Mi Novio Es Un Zombie es una de las recomendaciones de esta semana.

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Ambientada tres años antes de la Guerra Civil, los caminos de Django (Jamie Foxx) y el excéntrico cazarrecompensas Dr. King Schultz (Christoph Waltz) se cruzarán cuando este último lo libere de unos traficantes de esclavos. El hecho de que Schultz haya elegido liberar a Django no es producto de la casualidad, ya que es uno de los pocos que conoce a los hermanos Brittle, sobre cuyas cabezas pende una recompensa para atraparlos vivos o muertos (en este caso preferentemente muertos). Una vez logrado el objetivo, Schultz le promete a Django su libertad y algo de dinero, pero al enterarse de que la esposa de Django, Broomhilda, se encuentra esclava el cazarrecompensas decide ayudarlo a recuperarla. La búsqueda llevará al dúo a las puertas de Candyland, una plantación propiedad del sádico y despreciable Calvin Candie (Leonardo DiCaprio).

Generalmente en los westerns la línea trazada entre los buenos y los malos es bastante clara pero, como muchos de ustedes sabrán, la moralidad de los personajes de Tarantino no está puesta blanco sobre negro sino que tiende a preferir cierto tono de grises. Django es producto de un mundo lleno de odio que no se da cuenta de las atrocidades que comete, un mundo donde ver “un negro a caballo” es suficiente para horrorizar a todo un pueblo y detalles como ese son los que utiliza el director para dar su opinión respecto de aquel contexto histórico (la escena de Leonardo DiCaprio hablando sobre la Frenología es un gran ejemplo de ello). Tarantino también aprovecha para abordar el tema de la esclavitud visto desde afuera con el personaje del Dr. Schultz, cuyo personaje es alemán, pero no para decir simplemente “esto es malo”, sino para preguntarse “¿por qué la esclavitud se tomaba como algo natural para la época?”. En definitiva todo este subtexto se esconde detrás del humor y la violencia, pero está allí para el que pueda percibirlo.

En cuanto a las interpretaciones, en un elenco de por sí brillante los que se destacan son Leonardo DiCaprio, con un personaje que representa el espíritu del sur en lo que a la esclavitud se refiere y el que se roba la película con sus diálogos es el genial Christoph Waltz (merecidísima nominación al Oscar de por medio). Otro que aporta buenos momentos, sobre todo desde la comedia, es el habitual colaborador de Tarantino, Samuel L. Jackson. Además de las grandes actuaciones, Django cuenta con la gran banda de sonido a la que nos tiene acostumbrados el director: los habituales Ennio Morricone y Luis Bacalov (imprescindibles para cualquier western) y otras canciones anacrónicas completan la impecable lista.

Django sin cadenas demuestra la vigencia de un Tarantino que, si bien cuenta un relato conocido, le agrega su sello personal y lo hace único. Una puesta visual apabullante y grandes actuaciones hacen de Django un film de culto más que agregar a nuestra lista.

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La película nos presenta una crónica detallada de los sucesos posteriores al ataque de las Torres Gemelas hasta la captura del terrorista responsable de dicho acto. Maya, una agente de la CIA asignada al caso, será quien nos guiará, a través de su astucia y también de sus corazonadas, por estos sucesos que tomaron aproximadamente unos 10 años.

La directora presenta este film pocos años después de su obra ganadora al Oscar como Mejor Película, “The Hurt Locker”. Si bien a mi parecer la peli sobre es escuadrón anti bombas no fue la mejor debido a su extensa longitud y lo denso de su historia, esta, “Zero Dark Thirty”, logra dar un vuelco a mi pensamiento sobre lo que Kathryn Bigelow puede realizar.

Este film también cuenta con una extensa duración pero a diferencia de la anterior su historia, por sobre todos los enredos políticos y las cuestiones militares, hacen que su duración no se sienta en lo absoluto debido al interés que logra generarnos desde el primer minuto. El film pasa por momentos momentos en donde hay acción, explosiones y mucha adrenalina a otros en los cuales solo hay conversaciones. Aún asi, como una cosa lleva a la otra de forma directa, no hay ninguna parte de la película en la cual la historia decaiga. Cosa que es generalmente difícil de lograr en estos dramas político-militares.

Se nota bastante el cambio de rumbo tomado por la directora entre su anterior obra y esta. Además, la excelente interpretación de Jessica Chastain nos hace vivir de primera mano todo lo acontecido. Y no quiero dejar afuera a Jennifer Ehle, quien quizás nos ea muy conocida, que tiene un pequeño papel que talvez no sea el más importante. Pero me gustaría destacar el trabajo de esta actriz ya que generalmente no tiene primeros roles y aún así siempre da una interesante interpretación a través de sus personajes.

Generalmente este tipo de pelis es el que el público tiende a obviar a la hora de elegir que ver en el cine, y es entendible muchas veces debido a lo pesado que suelen ser sus tramas. Aún asi, esta peli en particular podrá atrapar a cualquiera que se anime a su aventura ya que su relato se realiza de una forma interesante donde cada detalle desencadena en uno nuevo llevándonos, prácticamente sin que nos demos cuenta, hacia el final.

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Es esta primera parte nos encontramos con la presentación, el panorama general de la historia. Los Enanos han perdido su reino ante Smaug, el dragón, y ahora intentan emprender un viaje para recuperarlo, junto con la ayuda de Gandalf y Bilbo, quien es arrastrado hacia la misión casi de forma injustificada. En el medio del viaje se encontrarán con personajes que ya conocemos, como Lady Galadriel, Lord Elrond y Saruman, así como también con nuevos obstáculos y enemigos.

Peter Jackson ha aprovechado al máximo el tiempo en pantalla, asi también sus recursos, en este film. Si bien es injustificadamente largo, alrededor de tres horas, todos los aspectos del film hacen que se compense lo pesado qu puede volverse el estiramiento que hicieron en la historia. Hay que recordar que “El Hobbit” es uno de los libros más cortos dentro de la saga del Anillo, así que dividirlo en tres partes ya era injustificado desde un principio. Aún así, la pureza visual y hasta incluso la música son de una superioridad indudable.

Hablando de pureza visual, este es uno de los aspectos a mi parecer que más destacan dentro del film. Lamentablemente, por cuestiones logísticas de Warner Bros. Argentina, tuvimos la posibilidad de ver el film en 35mm. Cualquiera, como nos pasó a nosotros cuando nos enteramos, se quejaría de tener que verla en ese formato cuando el marketing te dice que la veas en HFR 3D. Aún así, la copia era de una calidad sublime (Bajada de 2k) y se podían notar los cuidados que se habían tomado en los detalles. Los colores, la imagen en si, eran de lo mejor visto hasta ahora en cine, sin duda.

Los efectos han superado por lejos lo que vimos en la trilogía anterior. Podemos notarlo sin duda en Gollum quien se ve extremadamente realista en la gran pantalla, mucho más que la vez anterior. Igual esta vez no es el único personaje completamente hecho en CGI, hay varios más y algunos de ellos con roles importantes en la historia.

En sí el film es recomendable para aquellos que quieran aventurarse a su injustificada duración. Puedo asegurar que se disfruta de principio a fin, con algunos buenos momentos de comedia y otros momentos más intensos que plantarán la base para las próximas entregas.

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La escena inicial, donde dos personajes (Michael Pitt y Michael Stuhlbarg) son asesinados luego de un diálogo trivial, es muy al estilo Tarantino, director con el que varias veces se lo relacionó a McDonagh, y desde el principio nos presenta al primer psicópata. Martin (Farrell) es un guionista de cine muy poco inspirado que se encuentra escribiendo una historia llamada “Sie7e psicópatas” pero solo tiene el título y necesita crear los siete personajes. También tenemos a su mejor amigo Billy (Sam Rockwell), un actor desocupado que está en el negocio del secuestro de perros o, como él le dice, “préstamo de perros”, ya que los devuelve para cobrar la recompensa sin que los dueños sepan que él mismo fue quien se los llevó.

Billy trata por todos los medios de ayudar a que Martin se inspire para sacar el guión adelante (más adelante veremos que sus métodos al respecto son demasiado extremos) y todo se complica cuando “toma prestado” el shih tsu de Charlie (Woody Harrelson), un mafioso con un temperamento muy volátil y extremadamente peligroso. A partir de allí Martin, Billy y compañía deberán escapar de los matones de este gangster muy particular. El director logra realizar un relato verdaderamente complejo y divertido que atrapa en todo momento, pero creo que su mayor virtud está en ser capaz de meter una historia dentro de otra, donde la realidad estimula la ficción y viceversa. Es así que McDonagh apela a los códigos del cine (explícitos muchas veces en sus diálogos) para crear un film deliciosamente inclasificable.

Como dije antes, Sie7e psicópatas ostenta un gran elenco, pero aquí los que resaltan sin dudas son Sam Rockwell, cuyo papel es el más demente de todos y lo interpreta como solo él puede hacerlo, y el gran Christopher Walken, quien aporta su infinito carisma y hace que los diálogos suenen aún más ácidos y/o divertidos. También cabe destacar la corta pero memorable aparición especial del genial Tom Waits, que aquí interpreta a un “asesino serial de asesinos seriales” y a quien se lo ve todo el tiempo con un conejo en la mano. Tanto estos como otros integrantes del elenco son esenciales para dar vida a los demenciales personajes de la historia pero también vale decir que, además de la comedia, también le aportan mucha humanidad y seriedad en algunos momentos dramáticos (que los hay).

Por más que el síndrome de la página en blanco esté presente a lo largo del film, Sie7e psicópatas es producto de un guión sólido y muy trabajado con un McDonagh que vuelve a ofrecernos otra joyita en su corto pero brillante currículum como director. De esta manera, nos demuestra que se puede hacer algo innovador con elementos preexistentes y así crear algo nuevo e inclasificable. Y si a eso le agregamos algo de locura, mucho mejor.

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Su director, Peter Ramsey, debuta por primera vez en cine con este film animado que reune a los personajes de algunas festividades, y otros del imaginario de los niños, con el fin de frenar el terror que está desatando Pitch, el temido Boogeyman.

Jack Frost despierta sin saber qué hace en este mundo, sin recuerdos más que su nombre. De a poco descubre la forma de usar sus poderes para divertirse, pero nada más que eso. Pero tiempo después se ve en una encrucijada cuando es elegido para unirse a los guardianes, un grupo de personaje unidos para proteger a los niños. Su gran problema es que no sabe quién es ni que hace allí y por eso no se cree capaz de tal tarea. Es así que inicia un viaje para poder descubrirse a si mismo, un viaje que se ve interrumpido constantemente por Pitch, quien intenta apoderarse del mundo a través del temor de los todos los niños.

Desde un principio puede resultarnos rara la idea de ver a estos personajes juntos en una historia, pero la verdad es que está bien armada y todo encuentra su lugar. De a poco nos dejamos llevar con la historia y pasamos a interesarnos en averiguar, junto con el personaje principal, cuál es su verdadera misión como guardián.

Cada uno de estos personajes tiene una personalidad interesante que iremos descubriendo a medida que avance el film. Los que más destacan son Norte (Santa), Jack y Conejo. No hay que dejar pasar algunos buenos momentos de comedia provistos por Meme (Sandyman), los duendes y los yetis de santa que simplemente levantan el tono de la película con su humor.

Lo visual y la animación es impecable. De las interpretaciones de los actores que prestan su voz puedo decir poco debido que vi una versión doblada. Lo que si cabe destacar es que es un film que va apuntado a los más pequeños, a diferencia de las ultimas películas animadas que salieron. Seguramente ellos disfrutarán cada momento de esta historia. “El Origen de los Guardianes” se presenta como una buena opción para los chicos en esta época.

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Elissa (Jennifer Lawrence) y su madre Sarah (Elisabeth Shue) buscan comenzar una nueva vida luego del divorcio que dividió a la familia y para eso encuentran un lugar “tranquilo” en un pequeño pueblo de Pennsylvania. Una hermosa casa ubicada en medio de un bosque a un precio muy accesible parece demasiado bueno para ser real, pero el motivo de la baja cotización se debe a que años atrás, en la casa contigua, ocurrió un horrible doble parricidio por parte de una niña que desapareció luego del crimen. Poco después, una vez que Elissa y Sarah comienzan a socializar con los vecinos, sabemos que esa casa no se encuentra deshabitada sino que allí vive Ryan (Max Thieriot), el único miembro restante de la familia que sobrevivió por estar en casa de su tía al momento del asesinato.

Elissa es una alguien que, según su madre, tiene tendencia a sentirse atraída por chicos emocionalmente dañados y por ese motivo entabla una relación con Ryan, el chico perturbado y vulnerable por lo ocurrido con su familia que cumple todos los requisitos para llamar la atención de Elissa. Ryan es excluido socialmente por la gente del pueblo e incluso Sarah se opone a que su hija esté con él, pero Elissa hará caso omiso a todo eso y a partir de allí es cuando la historia comienza una espiral descendente de la cual no saldrá jamás. El director Mark Tonderai utiliza todos los clichés habidos y por haber en el manual del género de terror y mediante la manipulación del sonido crea “sustos baratos” que lejos están de lograr sobresaltar a los avezados en el género.

El elenco hace lo mejor que puede ante un guión pobre y con muchos “huecos argumentales” que resulta insalvable. Lawrence es todo lo que debería representar una heroína: fuerte, inteligente e independiente, aunque las virtudes de su personaje no hacen más que resaltar los problemas de la trama que se vuelve cada vez menos verosímil incluso para los flexibles parámetros del terror y el suspenso. Max Thieriot también supo transmitir la vulnerabilidad y desdicha que requería un papel clave para el desarrollo de la historia.

En resumen, La casa de al lado termina por ser previsible así como genérica y remanida, pero además comete uno de los peores “pecados” que es desaprovechar a una magnífica actriz en ascenso como Jennifer Lawrence. Mi consejo es: manténganse alejados de esa casa.

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Desde el comienzo la historia pinta un panorama sin esperanzas: Dodge (Carell) escucha el anuncio de que el último intento por desviar un meteorito llamado Mathilda ha fracasado y que solo quedan 21 días de vida en la Tierra antes de que colisione contra nuestro planeta. Acto seguido, su esposa lo abandona y huye con rumbo desconocido. Solo y desconcertado, Dodge continúa yendo al trabajo y se niega a entrar en el terreno del “vale todo” que sus amigos parecen haber adoptado. Todo indica que Dodge pasará el resto de sus pocos días en soledad hasta que inesperadamente conoce a Penny (Keira Knightley), una vecina con quien nunca se cruzó y que sin querer guardó una carta muy importante para el personaje de Carell, que luego lo llevará en un viaje para recuperar a un amor de juventud.

Mezcla de road movie y comedia romántica con un toque de drama, Buscando un amigo pone a dos personajes, en apariencia disímiles, en un viaje introspectivo que los cambiará para el (breve) resto de sus vidas, al mismo tiempo que siempre tiene presente las consecuencias del inminente fin del mundo y lo demuestra a cada paso (una gran muestra de ello es la desopilante escena en el restaurante Friendsy’s). Más allá del caos generalizado (motines, suicidios, etc.) los protagonistas tratarán de mantenerse lo más normal posible teniendo en cuenta las circunstancias, mientras uno en la audiencia comienza a plantearse qué haría si estuviera en esa misma situación. Por otro lado, si bien la historia está bien llevada, Scafaria tiene una película dividida en dos con respecto al tono: la primera parte es toda comedia y la segunda es todo drama. Es así que la trama nunca logra conjugar ambos tonos con éxito y esa es la mayor crítica que se le puede hacer.

Buscando un amigo para el fin del mundo es un film prácticamente inclasificable ya que mezcla varios géneros a la vez y, por suerte para el espectador, logra hacerlo bien la mayoría de las veces. Con un Steve Carell diferente a lo que acostumbramos a ver y una banda de sonido “retro” de excelente factura, la película oscila entre el humor negro y el drama de una existencia con los días contados que enfrenta lo inevitable, estoico, a pesar de que el mundo se caiga a pedazos.

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El film, dirigido por Esteban Echeverría, nos ofrece una nueva visión de las historias animadas que raramente vemos en producciones nacionales. Un niño, un sueño y un universo lleno de aventuras y posibilidades hacen que la trama se destaque por encima de lo que estamos acostumbrados a ver cuando hablamos de producciones animadas en nuestro pais.

Pilo es un niño que vive en un cinturón de asteroides junto con su madre y su abuelo. Siempre ha soñado con la leyenda de La Máquina que Hace Estrellas que dice que algún día dejará de funcionar y entonces uno de su familia, linaje que siempre ha tenido a cargo dicha reparación, deberá aventurarse a solucionar el problema cuando la oscuridad se apodere del firmamento. El problema surge cuando ese día finalmente llega y Pilo se ve forzado a salir en un aventura que siempre había anhelado pero que jamás creyó que iba a suceder. Es así que se emprende un viaje interesante a través del universo en el que se encontrará con nuevos amigos asi como también enemigos. Será una aventurá que determinará no sólo el destino del universo en si, sino también el destino del mismo Pilo.

Desde la premisa la peli arranca bien ofreciendo una historia que desde el comienzo sabe instalarse bien y sin muchos rodeos. Pilo logra atraparnos con su historia, sus fantasias y sus problemas, haciendo que de a poco nos empecemos a preocupar por él. Cuando la aventura arranca conocemos a más personajes como el robót 19, quien suma una cuota importante de comedia, y Jiva que simplemente es adorable e incita al abrazo. Este trio será el primordial durante todo el film y sobre el cual nuestros sentimientos se verán puestos.

Puntos a favor del film:

-No está localizada lo cual hace que pueda ser la aventura de cualquier niño del mundo, está hablada en español neutro y en ningun momento hace referencia a nuestro pais.

-La historia. Siempre nos quejamos que las pelis animadas nacionales no tienen un propósito. En esta sí, todo va hacia un punto el cual mantiene nuestra atención hasta el final.

-La calidad de imagen. Es digna de apreciarse visualmente y se destaca en cada fondo y composición haciendo mas creíble la historia. Sin duda un potenciador de este film.

“La Máquina que Hace Estrellas” está contada desde el corazón de aquellos que aman la animación y la entienden como tal haciendo una historia que puede atrapar no sólo a niños, sino también a los mas grandes y estoy seguro que será el primer film de muchos otros que seguramente cambiarán nuestra forma de ver el cine animado nacional.